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Los diez códices españoles más valiosos

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ARTE
Los diez códices españoles más valiosos

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Eva Paris 3 de agosto de 2011 | 16:21




Hay libros que constituyen verdaderas joyas editoriales, si es que se puede denominar así a los manuscritos medievales fruto del trabajo artesanal. Pedacitos de la historia de la literatura, que alcanzan un valor considerable, al alcance de muy pocos, aunque sea en su versión facsímil.

Como ya expusimos en nuestro Diccionario Literario, se denomina códice (del latín ‘codex’: bloque de madera) al documento con formato de libro constituido por páginas separadas, cosidas y encuadernadas, término que se utiliza únicamente para libros manuscritos, realizados entre fines de la Antigüedad Clásica y comienzos de la Edad Media.

Aquí dejamos el listado de los diez códices españoles más valiosos, conformado por obras épicas, líricas, religiosas o históricas y que no siempre surgieron en tierras castellanas pero que se conservan en España, aunque alguno haya sido robado recientemente y se desconozca su paradero.
‘Códice del Beato de Liébana’ (Cantabria, 776). Se conocen como «Los Beatos» los manuscritos de los siglos X y XI, más o menos abundantemente ilustrados, donde se copian el ‘Apocalipsis de San Juan’ y los ‘Comentarios’ sobre este texto redactados en el siglo VIII por elBeato de Liébana. Escribió los ‘Comentarios al Apocalipsis de San Juan’ (Commentarium in Apocalypsin), en el año 776. Diez años después, en el 786, redacta la versión definitiva.
‘Codex Aureus’ (Luxemburgo, 1043), custodiado en la Biblioteca del Monasterio de San Lorenzo del Escorial. Son unos evangelios escritos en oro que Felipe II regaló a su tía la reina María de Hungría.
‘Codex Emilianense’ (San Millán de la Cogolla, La Rioja, siglo X). Las glosas emilianenses, unas anotaciones escritas al margen de esta obra, se consideran la primera muestra de la lengua romance peninsular castellana.
‘El Apocalipsis figurado’, de los duques de Saboya (Francia 1428-1480), que en sus 49 páginas de pergamino expone las más bellas ilustraciones de estilo gótico francés.
‘El Libro de Buen Amor’ (Ciudad Rodrigo, Salamanca, siglo XV): se trata de la mejor copia de las únicas tres que se conservan de la época de esta obra cumbre de la literatura española que tantas interpretaciones suscita.


‘Codex Calixtinus’ (Santiago de Compostela, siglo XII), una especie de guía del Camino de Santiago que se encuentra en paradero desconocido desde el pasado 5 de julio de 2011, cuando los archiveros de la catedral de Santiago echaron en falta la obra y denunciaron el robo a las autoridades. El códice fue sustraído de una cámara blindada donde se encuentran depositadas las obras más valiosas del archivo.
Beato de Girona o de San Salvador de Távara (Girona, 970). Su importancia reside en que conserva la primera ilustración del Apóstol Santiago.
‘Cantar de Mio Cid’ (Castilla, siglo XI), una de las obras cumbre de la literatura castellana y fabulosa muestra de la literatura épica. El único manuscrito se conserva en la Biblioteca Nacional en Madrid y se puede consultar en la biblioteca Cervantes virtual.
La Biblia de la Casa de los Alba (Toledo, 1433), cotizada en 2’3 millones de euros y conservada en el palacio de Liria de Madrid.
‘Cantigas de Santa María’, de Alfonso X El Sabio (Toledo, 1284). Una gran muestra de la lírica medieval, de la música y de los usos y costumbres de la época, con valiosas miniaturas.

Afortunadamente, la mayoría de los códices más valiosos están localizados y se pueden consultar online, aunque verlos, olerlos o tocarlos en vivo, recrearse en todos sus detalles y sentirnos un poco más cerca de su valor original es mucho más complicado.

Vía | Magazine El Mundo
Más información | Youkioske
En Papel en Blanco | Diccionario literario: códice, El cantar de Mio Cid crece, La obsesión por leer el Cantar de Mio Cid, El ADN de los manuscritos medievales

GRABADOS SATÍRICOS DE WILLIAM HOGARTH

http://www.odisea2008.com/2012/08/grabados-satiricos-de-william-hogarth.html

IERNES, 10 DE AGOSTO DE 2012

GRABADOS SATÍRICOS DE WILLIAM HOGARTH

William Hogarth (1697–1764) fue un artista británico, grabador, ilustrador y pintor satírico. Se le considera pionero de las historietas occidentales. Su obra varía desde el excelente retrato realista a una serie de pinturas al estilo de los cómics llamadas «costumbres morales modernas». Mucha de su obra, que llega a veces a ser despiadada, se burla de las costumbres y la política contemporáneas. Es el gran maestro de la sátira social y política. Se le considera uno de los «padres» de la escuela artística británica, tras varios siglos de predominio de artistas extranjeros en el país.

Hijo de un pobre maestro de escuela y autor de libros de texto, William Hogarth nació en el barrio londinense de Bartholomew Close. En su juventud fue aprendiz del grabador Ellis Gamble en Leicester Fields, donde aprendió a grabar. El joven Hogarth también se interesó en la vida de las calles y de las ferias londinenses, y se entretuvo esbozando los personajes que veía. Por la misma época, su padre fue llevado a prisión de Fleet por deudas durante cinco años. Hogar nunca habló al respecto.

En abril de 1720, Hogarth se estableció como grabador independiente, primero grabando escudos de armas, facturas de tiendas y diseñando láminas para libreros. 

Tras unos primeros años como grabador y diseñador de segunda categoría, Hogarth decidió dar el salto a la categoría de pintor, pero no le fue fácil. En aquella época los grandes encargos artísticos de Londres eran acaparados por artistas extranjeros, dentro de un estilo rococó y ampuloso que Hogarth consideraba artificial. Los reyes y la nobleza ingleses subestimaban a los artistas nacionales y preferían convocar a los más cotizados del continente, lo que explica que desde el siglo XVI, los artistas ingleses fuesen eclipsados por autores extranjeros como Hans Holbein el Joven, Rubens, Van Dyck, Sebastiano Ricci y Canaletto.

Hogarth criticaba el gusto inglés por la mitología y los retratos pomposos, pero la falta de encargos le obligó a flaquear en sus convicciones. Abordó temas históricos de la Antigüedad, pero no alcanzó resultados convincentes.

Su despegue como artista de renombre se puede situar en la década de 1730, cuando se volcó en sus temas satíricos. Lector de Jonathan Swift, criticaba la hipocresía de las clases altas. Su viaje a París en 1744 le hace conocer el rococó francés, lo que le influye en sus conversation pieces y en el tratamiento de los vestidos y las telas en sus cuadros.

Hogarth intentó explotar comercialmente sus mejores creaciones, repitiéndolas en grabados. Sin embargo, alcanzó tal éxito que fue víctima de la piratería; sus diseños eran replicados de forma indiscriminada en Europa, y él apenas se lucró de ellos.

Realizo obras sobre retratos, temas históricos y representaciones de la vida popular, pero como hemos dicho Hogarth es conocido, sobre todo, por sus ciclos satíricos. Se trata de series de lienzos que exponen una historia novelesca contemporánea, con gran viveza y espíritu crítico. Algunas de las más relevantes son las siguientes: La carrera de una prostituta de 1732, cuyos cuadros fueron destruidos; se conoce por las copias grabadas. La vida de un libertino (The Rake’s progress) 1736. Los cuatro momentos del día 1738. Marriage à-la-mode (El casamiento a la moda) 1745. Industriosidad y pereza 1747. La calle de la cerveza y la de la ginebra 1751. Las Cuatro etapas de crueldad 1751 y La campaña electoral 1754.

Esta introducción ha sido extractada del artículo de Wikipedia ENLACE.

En esta entrada veremos algunas de las láminas grabadas de sus pinturas sobre los ciclos satíricos, la fuente bibliográfica de mejor calidad que he encontrado para las mismas son dos obras en Internet Archives, la primera The complete works of William Hogarth : in a series of one hundred and fifty steel engravings from the original pictures edición de 1800, sin embargo no tiene el número total de grabados indicado en el titulo, aparentemente es el primer tomo de una obra en dos, como compensación la calidad de las laminas es bastante buena. El segundo (más completo), es The works of William Hogarth : in a series of engravings en una edición fechada alrededor de 1860, ENLACE .

Para ampliar las láminas pique sobre la imagen y una vez en el servidor escoja tamaño original.

Comenzamos por la serie “La vida de un libertino” que es una secuela de la serie La carrera de una prostituta, que muestra en ocho imágenes la vida de Tom Rakewell, hijo de un rico comerciante, que malgasta su dinero en una vida de lujo, prostitutas y juego, al final acaba en el manicomio de Bedlam.

001- El joven Tom toma posesión de su herencia.



002- El joven Tom rodeado de artistas y profesores.



003- Escena en una taberna.



004- El joven Tom es arrestado por deudas.



005- Se casa con una rica solterona.

006- Escena en el manicomio de Bedlam.

“Los cuatro momentos del día” es una serie de cuatro pinturas terminados en 1736, que se reproducen como una serie de cuatro grabados publicados en 1738. Son representaciones humorísticas de la vida en las calles de Londres, los caprichos de la moda, y las interacciones entre los ricos y los pobres, muestran escenas de la vida cotidiana en varios lugares de Londres, a medida que progresa el día.

Tienen un amplio artículo sobre esta serie en Wikipedia (ingles). ENLACE . En la misma página tienen acceso a las imágenes de los cuadros originales de esta serie.

007- La mañana.

En la mañana, una mujer va de camino a la iglesia, protegiéndose con el abanico de la vista impresionante de dos hombres manoseando a las chicas del mercado. La escena se sitúa en el lado oeste de la plaza del Covent Garden, a la derecha de la imagen la casa del Café Tom King, un lugar famoso celebrado en los folletos de la época que en la fecha en que se realiza la pintura permanecía abierto hasta la madrugada después de que cerraran todos los demás de Londres lo que permitía a los juerguistas continuar su diversión hasta el amanecer.

En la imagen, es la madrugada y algunos juerguistas están terminando su noche, una pelea se ha desatado en la casa de café y, en el cuerpo a cuerpo, una peluca sale disparada por la puerta. Mientras tanto, vendedores ambulantes colocan sus frutas y verduras para el mercado del día. Dos niños que deberían estar haciendo su camino a la escuela se han detenido, embelesados por la actividad del mercado, Sobre el reloj (a la derecha arriba), está el Padre Tiempo y debajo la inscripción Sic transit gloria mundi. El humo que sale de la chimenea del café conecta estos portentos con la escena de abajo.

008- Mediodía

La escena tiene lugar en el Hog Lane, parte del barrio marginal de San Gil con la iglesia de St Giles al fondo. La imagen muestra a los hugonotes franceses que salen de la Iglesia en lo que hoy es el Soho. Los refugiados hugonotes habían llegado en la década de 1680 y se establecieron como comerciantes y artesanos, en particular en el comercio de la seda, y la Iglesia de Francia fue su primer lugar de culto.

Hogarth contrasta el nerviosismo y la alta moda con la dejadez del grupo en el otro lado de la carretera, el cadáver putrefacto de un gato que ha sido lapidado hasta la muerte en la cuneta que divide la calle es la única cosa que las dos partes tienen en común. Los miembros más ancianos de la congregación visten el traje tradicional, mientras que los miembros más jóvenes lucen la moda del momento. Los niños se visten como adultos: el niño con el bastón en primer plano luce todas sus galas, mientras que el que esta de espaldas al espectador a mitad del grupo tiene el pelo en una red al estilo en "francés".

En el lado izquierdo de la imagen, un hombre negro acaricia los pechos de una mujer, distrayéndola de su trabajo, su bandeja "se tambalea al igual que su virtud". La confusión sobre si la ley permitía la esclavitud en Inglaterra, y la presión de los abolicionistas, significó que a mediados del siglo XVIII había una considerable población de negros libres londinenses. Delante de la pareja, un niño se ha parado a descansar, pero la pilastra se rompe, derramando el pastel en el suelo donde está siendo rápidamente consumido por una pilluela. Parece que el niño llorando sobre su pastel perdido fue esbozado por Hogarth después de que fue testigo de la escena un día, mientras se estába afeitando.

009- La tarde.

A diferencia de las otras tres imágenes, la tarde tiene lugar un poco fuera de la zona urbanizada de la ciudad, con vistas a colinas y amplios cielos nocturnos. La vaca que está siendo ordeñada en el fondo indica que son alrededor de las 17 horas. Una mujer embarazada y su marido intentar escapar de la ciudad claustrofóbica dirigiéndose hacia el lugar de moda de Sadler's Wells (la entrada de piedra del Sadler 's Wells Theatre se muestra a la izquierda).

El marido, cuyas manos manchadas revelan que es un tintorero de profesión, se ve agotado por cargar con su hija más pequeña. En las primeras impresiones, y en la pintura original), las manos son de color azul, para mostrar su ocupación. La colocación de los cuernos de la vaca detrás de la cabeza lo representa como un cornudo y sugiere que los niños no son suyos.

010- La noche.

La impresión final de la serie, la noche, muestra una escena caótica en la zona de Charing Cross, identificada por la gran estatua ecuestre de Carlos I de Inglaterra en el fondo.

La noche es el 29 de mayo, el Oak Apple Day, un día festivo que celebraba la Restauración de la monarquía, indicado por las ramas de roble sobre el signo del barbero, y en algunos de los sombreros de los sujetos, que recuerdan el roble real tras el que Carlos II se escondió después de haber perdido la batalla de Worcester en 1651. Charing Cross era un lugar de parada central de diligencias y transportes, pero la estrecha carretera congestionada fue escenario de frecuentes accidentes, aquí, una hoguera y el barril han causado el vuelco de un carruaje. Hogueras festivas eran de uso común , pero muy peligrosas: un incendio en una casa ilumina el cielo en la distancia (al fondo de la imagen). Al frente a la izquierda de la imagen un muchacho esta jugando con una antorcha encendida.

A un lado de la carretera está el local de un cirujano barbero, cuyo letrero indica afeitar, sangrados, y sacamuelas. Dentro de la tienda se le ve afeitando a un parroquiano. Los cirujanos y barberos habían sido una sola profesión desde 1540 y no fue hasta 1745, cuando los cirujanos se separaron para formar la Compañía de Cirujanos. Desde la ventana un orinal es vaciado en la calle, mientras que bajo el alero de la ventana del barbero un par de personas sin hogar preparan una cama para pasar la noche.

En primer plano, un masón en estado de embriaguez, que se puede identificar por el delantal y el medallón cuadrado como el Venerable Maestro de una logia, se apoya en su Tyler (oficial de guardia en una logia masónica).

“El casamiento a la moda” es una serie de seis cuadros pintados por William Hogarth en 1745. Se trata de una denuncia moralizante sobre las terribles consecuencias de los matrimonios acordados por dinero entre las clases altas inglesas del siglo XVIII. Veamos esta vez algunas de las pinturas originales. Las encuentran en este enlace de Wikipedia http://es.wikipedia.org/wiki/Casamiento_a_la_moda

011- El contrato de bodas.



012- Poco después de la boda

013- La muerte del conde

“Industriosidad y pereza” en esta serie de doce escenas, Hogarth muestra la evolución en la vida de dos aprendices, uno que se dedica al trabajo duro y otro perezoso que acaba cayendo en el crimen y siendo ejecutado. Creados con la intención de ilustrar a los niños trabajadores de las recompensas del trabajo duro y la aplicación diligente y los desastres seguros que acompañan a la pereza y la negligencia, a diferencia de muchas de las series anteriores que fueron primero pintadas al oleo y posteriormente reproducidas en grabados, este ciclo fue creado exclusivamente como un conjunto de grabados. Veamos una breve selección de sus láminas.

014- Aprendices en sus telares.

En la imagen ambos son aprendices en igualdad de condiciones laborales y realizan el mismo trabajo. A la derecha de la imagen Francisco está ocupado en su trabajo con el telar y la lanzadera, con su copia de “La guía del aprendiz” a sus pies. A la izquierda Tom reclinado contra el bastidor del telar ronca, probablemente como resultado de haber tomado el contenido de la jarra que se ve enfrente, una pipa de arcilla esta acuñada en la manivela del telar y un gato se divierte jugando con la lanzadera, su guía del aprendiz esta tirada en el suelo completamente sucia y destrozada. A la derecha el maestro se dirige enfadado hacia Tom con un grueso bastón en la mano izquierda.

015- El perezoso aprendiz juega en el patio de la iglesia durante la misa.

En este grabado Tom se muestra perezoso jugando con algunos peniques en la lapida de una tumba del cementerio mientras se realiza el oficio divino.

016- El aprendiz industrioso se convierte en el favorito de su maestro.

Su celo y dedicación están dando sus frutos, ya no trabaja en un telar sino que ayuda a dirigir la empresa de su jefe, lleva las llaves de la industria y una bolsa de dinero, su muestro está presente en la imagen y da testimonio de la familiaridad y aprecio que le tiene.

017- El aprendiz industrioso se casa con la hija de su maestro.

El grabado muestra que Francis Goodchild ha ido mejorando su carrera, como de costumbre. También terminado su aprendizaje en la forma prevista: Después de haber cumplido su tiempo, él es libre y un tejedor oficial. El letrero de la empresa “West y Goodchild” bajo la marca comercial (un león rampante), indica que su antiguo maestro le ha hecho socio de la empresa.

El otro cambio importante es que la señorita West, se ha convertido en la señora Goodchild. La escena de esta lámina es probable que refleje los acontecimientos al día siguiente de la boda, cuando se distribuyen los restos de la fiesta a varios de los pobres.

018- Tom el perezoso es ejecutado en Tyburn.

Esta es el ultimo grabado de la serie, en el se observa la ejecución de Tom como recompensa a su pereza, malicia y crímenes (indicados en laminas anteriores), que acaban como estaba predicho con la muerte del aprendiz en la horca.

Sobre este ciclo tienen un amplio artículo descriptivo en Wikipedia (en inglés) ENLACE .

“La calle de la cerveza y la ginebra” son dos grabados publicados en 1751 en apoyo de lo que se convertiría en la Ley de la Ginebra. Diseñados para verse uno al lado del otro, representan los males del consumo de la ginebra como un contraste con el de beber cerveza.

En un nivel simple, Hogarth retrata a los habitantes de la calle de La cerveza como felices y saludables, y a los que viven en el Círculo de la Ginebra, como destruidos por su adicción, pero, como con tantas de las obras de Hogarth, una inspección más cercana revela otros objetivos de su sátira, y da a entender que la pobreza de Gin Lane y la prosperidad de la calle de la cerveza están más íntimamente ligados de lo que a primera vista parece. Gin Lane muestra escenas impactantes de infanticidio, el hambre, la locura, la decadencia y el suicidio, mientras que la calle de la cerveza representa la industria, la salud, la cordialidad y el comercio floreciente, pero hay contrastes y detalles sutiles que algunos críticos creen que aluden a la prosperidad de la calle La cerveza como la causa de la miseria que se encuentra en Gin Lane.

La crisis de la ginebra fue realmente grave. Desde 1689 el gobierno Inglés había animado la industria de la destilación, ya que ayudaba a sostener los precios del grano, que entonces eran bajos, y aumentaban el comercio, particularmente con las posesiones coloniales. Las importaciones de vino francés y bebidas alcohólicas fueron prohibidas para alentar a la industria en el país. En el apogeo de la industria no había control de calidad que valiera, la ginebra se mezclaba a menudo con esencia de trementina, y las licencias para la destilación eran muy fáciles de obtener. Cuando se hizo evidente que el consumo copioso de ginebra estaba causando problemas sociales, se hicieron esfuerzos para controlar la producción. La ley de la Ginebra de 1736 impone altos impuestos sobre las ventas de ginebra, y prohibió la venta en cantidades inferiores a dos litros, requería un pago anual del equivalente a 50 Euros actuales para una licencia comercial. Pero obtuvo muy pocos resultados más allá de aumentar el tráfico y la venta ilegal asi como la destilación fraudulenta, diversas lagunas en la ley fueron explotadas para evitar los impuestos, incluyendo la venta de gin bajo seudónimos tales como "paraíso de las damas", "Bob", "Delicia del cornudo". La ley fue finalmente abolida en 1743.

019-La calle de la Ginebra.

La escena se sitúa en la parroquia de St Giles, un barrio marginal, Gin Lane describe la miseria y la desesperación de una comunidad hundida en la ginebra. La desesperación, la muerte y la decadencia invaden la escena. Los únicos negocios que prosperan son los que sirven la industria de la ginebra: los vendedores de ginebra; destiladores la casa de empeños donde el avaro Mr. Gripe toma con avidez los bienes (el carpintero ofrece su sierra y el ama de casa sus utensilios de cocina) de los residentes alcohólicos de la calle a cambio de unos centavos para alimentar su hábito, Lo más estremecedor es la imagen es de una mujer en primer plano, que, hundida por la ginebra y conducida a la prostitución por su hábito, como lo demuestran las úlceras sifilíticas en las piernas, permite a que su bebé desatendido se deslice de sus brazos y caiga por el hueco de la escalera de la bodega de ginebra. Medio desnuda, ella no se preocupa por nada más que tomar una pizca de tabaco. Esta escena no era una exageración como podría parecer, hay documentación de la época que relatan tales acontecimientos y aun peores.

Otras imágenes de la desesperación y la locura llenan la escena: un bebé empalado en una estaca, un barbero se ha quitado la vida en el ático de barbería, arruinado, porque nadie puede permitirse un corte de cabello o afeitarse. En los escalones, por debajo de la mujer que ha dejado caer su bebé, un esqueleto vendedor de folletos, descansa, tal vez muerto de hambre, mientras que el panfleto moralizante sobre los males de beber ginebra, “La caída de la señora ginebra” , se desliza de su cesta. Un ex-soldado, que ha empeñado la mayor parte de su ropa para comprar la ginebra que comparte espacio en su cesta con el folleto que se opone a ello, junto a él se encuentra un perro negro, un símbolo de la desesperación y la depresión. Fuera de la bodega se ha estallado una lucha, y un lisiado enloquecido levanta la muleta para golpear a su compatriota ciego.

Las imágenes de los niños en el camino hacia su destrucción, un bebé es calmado por su madre con un vaso de ginebra, y en el fondo de la escena un recién nacido grita desnudo en el suelo mientras el cuerpo de su madre se carga en un ataúd por orden del sacristán.

020-La calle de la cerveza.

En comparación con los habitantes enfermos y sin esperanza de Gin Lane, la gente feliz de la calle de la cerveza brilla con una salud robusta y gran cordialidad. En primer plano un herrero se encuentra con una jarra de cerveza espumosa en una mano y una pierna de jamón en la otra. Junto con un carnicero, un tercer hombre se distrae con una empleada. En el fondo, dos hombres que llevan una silla de manos, hacen una pausa para beber. En esta imagen un barril de cerveza cuelga de una cuerda por encima de la calle, en contraste con el cuerpo del barbero en Gin Lane.

La imagen sirve como contrapunto a la más impactante de Gin Lane, pero es también una celebración de lo inglés y muestra de los beneficios de consumir una bebida nacional. No hay influencias extranjeras que contaminen lo que es una imagen extremadamente nacionalista.

Amigos/as con esta serie acabo la entrada para no hacerla excesivamente larga, ustedes mismos con los enlaces a las obras indicadas anteriormente pueden completar la “exploración” de los trabajos del artista.

Tienen un magnífico artículo sobre Los inicios del relato en imágenes, los grabados de William Hogarth cuyo autor es Antonio Altarriba en la web de Tebeoesfera ENLACE 

En ArtCyclopedia muchos enlaces a galerías, museos y archivos con sus trabajos: ENLACE

Saludos.

ALQUIMIA Y MAGIA DE HEINRICH KHUNRATH

http://www.odisea2008.com/2012/08/alquimia-y-magia-de-heinrich-khunrath.html

DOMINGO, 5 DE AGOSTO DE 2012

ALQUIMIA Y MAGIA DE HEINRICH KHUNRATH

Heinrich Khunrath (1560-1605), fue un medico y alquimista alemán nacido en Dresde o Leipzig, durante el invierno de 1570, es muy probable que se inscribiera en la Universidad de Leipzig bajo el nombre de Henricus Conrad Lips, sin embargo está comprobado que se matriculo en mayo de 1588 en la Universidad de Basilea en Suiza, y obtiene su titulo de medico en el mismo año. Discípulo de Paracelso, practica la medicina en Dresde, Magdeburgo y Hamburgo, y pudo ocupar un puesto de profesor en Leipzig. En 1588 permanece un tiempo en la corte imperial de Rodolfo II en Praga. En 1591 se convierte en el médico personal del conde Rosemberk en Trebon y tiene contactos con Johann Thölde uno de los presuntos autores de los tratados alquímicos de “Basilio Valentin”.

Su obra más conocida es el Amphitheatrum Sapientiae Aeternae (Anfiteatro de la Sabiduría Eterna), publicada en Hamburgo en 1595, es un clásico de la literatura alquímica, que mezcla magia, filosofía natural y cristianismo. La historiadora Frances Yates la considera como el enlace entre la filosofía de John Dee y el Rosacrucismo.

La primera edición (con un título muy largo en latín), como se ha dicho data de 1595, está ilustrada con cuatro grabados circulares coloreados a mano y realzados con oro y plata que son símbolos alquímicos muy elaborados, estas planchas fueron realizadas por el grabador Paullus van der Doort y el dibujo del laboratorio alquímico es del pintor holandés Hans Vredeman de Vries, que utiliza para su realización la perspectiva lineal de la cual es uno de los pioneros. El portarretrato del autor que acompaña a la obra es de Jan Diricks van Campen. De esta primera edición no quedan más que tres ejemplares originales en las bibliotecas de las universidades de Bâle, Darmstadt y Wisconsin.

La obra se reedita en una versión más extendida en la cual trabajaba el autor en el momento de su muerte en 1605, y fue finalmente publicada en Hanau en 1609 por su discípulo Erasmus Wolfart. Esta reedición añade 5 grabados rectangulares mas representando escenas alegóricas al tema de la obra.

Khunrath representa las tensiones propias de finales del siglo XVI. Siguió las creencias de Paracelso en la iniciación divina a la sabiduría, trabajó para desarrollar la magia natural cristianizada, trató de encontrar el secreto de la materia principal que llevaría a la humanidad a la sabiduría eterna. Sin embargo, llevó a cabo la experiencia y la observación para la base de su trabajo como lo haría un filósofo de la naturaleza.

Su visión no fue compartida por la mayoría de los filósofos de la naturaleza de su tiempo. Él creía ser un adepto de la alquimia espiritual, y como tal, esperaba que el camino hacia la perfección espiritual fuera un proceso de múltiples etapas e intrincado. Sin duda el lenguaje que utilizo para describir el proceso suena extraño a los oídos modernos.

La edición de 1609 de la obra la encuentran en Internet Archives con el titulo Amphitheatrvm sapientiae aeternae : solius verae, christiano-kabalisticvm, divino-magicvm, nec non physico-chymicvm, tertrivnvm, catholicon, publicada en Hanau como hemos dicho anteriormente, los grabados son en blanco y negro y el texto en latín. ENLACE .

La University of Wisconsin en su Special Collections da acceso en línea a la primera edición de 1595, con los grabados circulares coloreados a mano ENLACE , pulsen sobre las imágenes y de nuevo debajo donde dice “Click here for a 1750 pixel width image”, observen también que en la columna de la derecha del enlace anterior, a continuación de cada dos imágenes si pulsan donde dice “Text” tienen acceso al texto de los emblemas detallado (en latín) . Y un facsímil igualmente ampliable a muy buena resolución del texto de la obra ENLACE .

A continuación les expongo las 4 imágenes circulares de la edición mencionada en el párrafo anterior. Muy importante, para verlas bien picar sobre las laminas y una vez en el servidor acceder al tamaño original.

Las imágenes tienen copyright a favor de la biblioteca fuente, y como siempre se exponen aquí a titulo pedagógico y para ningún otro uso sin autorización expresa de la University of Wisconsin.

Veamos ahora de la edición de 1609 que se encuentra en Internet Archives y cuyo enlace indique más arriba, algunas de las láminas que no figuran en la primera edición (salvo el portarretrato).

En la obra este grabado figura en dos páginas individuales, he intentado unirlas lo mejor posible.









He corregido contraste y nitidez de los originales.

Saludos.

http://www.nytimes.com/2012/07/09/movies/ernest-borgnine-tough-but-tender-actor-is-dead-at-95.html?_r=1&emc=na#

Ernest Borgnine, Oscar-Winning Actor, Dies at 95

United Artists

Ernest Borgnine, left, as the title character in "Marty," with Betsy Blair. More Photos »

By ANITA GATES

Published: July 8, 2012

Ernest Borgnine, the rough-hewn actor who seemed destined for tough-guy characters but won an Academy Award for embodying the gentlest of souls, a lonely Bronx butcher, in the 1955 film“Marty,“ died on Sunday in Los Angeles. He was 95.

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Ernest Borgnine’s Career

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Ann Johansson/Associated Press

Mr. Borgnine in 2004. More Photos »

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George Brich/Associated Press

Mr. Borgnine outside his home in Hollywood, Calif., in 1969. More Photos »

His death, at Cedars-Sinai Medical Center, was announced by Harry Flynn, his longtime spokesman.

Mr. Borgnine, who later starred on“McHale’s Navy” on television, made his first memorable impression in films at age 37, appearing in “From Here to Eternity” (1953) as Fatso Judson, the sadistic stockade sergeant who beats Frank Sinatra’s character, Private Maggio, to death. But Paddy Chayefsky, who wrote “Marty” as a television play, and Delbert Mann, who directed it (it starred Rod Steiger), saw something beyond brutality in Mr. Borgnine and offered him the title role when it was made into a feature film.

The 1950s had emerged as the decade of the common man, with Willy Loman of “Death of a Salesman” on Broadway and the likes of the bus driver Ralph Kramden (“The Honeymooners”) and the factory worker Chester Riley (“The Life of Riley”) on television. Mr. Borgnine’s Marty Pilletti, a 34-year-old blue-collar bachelor who still lives with his mother, fit right in, showing the tender side of the average, unglamorous guy next door.

Marty’s awakening, as he unexpectedly falls in love, was described by Bosley Crowther in The New York Times as “a beautiful blend of the crude and the strangely gentle and sensitive in a monosyllabic man.”

Mr. Borgnine received the Oscar for best actor for “Marty.” For the same performance he also received a Golden Globe and awards from the New York Film Critics Circle, the National Board of Review and the British Academy of Film and Television Arts.

Mr. Borgnine won even wider fame as the star of the ABC sitcom “McHale’s Navy” (1962-66), originating the role of an irreverent con man of a PT boat skipper. (The cast also included a young Tim Conway.) He wrote in his autobiography, “Ernie” (Citadel Press, 2008), that he had turned down the role because he refused to do a television series but changed his mind when a boy came to his door selling candy and said, although he knew who James Arness of “Gunsmoke” and Richard Boone of “Have Gun, Will Travel” were, he had never heard of Ernest Borgnine.

Over a career that lasted more than six decades the burly, big-voiced Mr. Borgnine was never able to escape typecasting completely, at least in films. Although he did another Chayefsky screenplay, starring with Bette Davis as a working-class father of the bride in“The Catered Affair” (1956), and even appeared in a musical, “The Best Things in Life Are Free” (1956), playing a Broadway showman, the vast majority of the characters he played were villains.

Military roles continued to beckon. One of his best known was as Lee Marvin’s commanding officer in “The Dirty Dozen” (1967), about hardened prisoners on a World War II commando mission. He also starred in three television-movie sequels.

But he worked in virtually every genre. Filmmakers cast him as a gangster, even in satirical movies like “Spike of Bensonhurst” (1988). He was in westerns like Sam Peckinpah’s blood-soaked classic “The Wild Bunch” (1969) and crime dramas like “Bad Day at Black Rock” (1955).

He played gruff police officers, like his character in the disaster blockbuster “The Poseidon Adventure” (1972), and bosses from hell, as in the horror movie “Willard” (1971). Twice he played a manager of gladiators, in “Demetrius and the Gladiators” (1954) and in the 1984 mini-series “The Last Days of Pompeii.”

Mr. Borgnine’s menacing features seemed to disappear when he flashed his trademark gaptoothed smile, and later in life he began to find good-guy roles, like the helpful taxi driver in “Escape From New York” (1981) and the title role in “A Grandpa for Christmas,”a 2007 television movie.

“McHale’s Navy” and the 1964 film inspired by it were his most notable forays into comedy, but in 1999 he began doing the voice of a recurring character, the elderly ex-superhero Mermaidman, in the animated series “SpongeBob SquarePants.” He continued to play that role until last year.

He began his career on the stage but unlike many actors who had done the same, Mr. Borgnine professed to have no burning desire to return there. “Once you create a character for the stage, you become like a machine,” he told The Washington Post in 1969. In films, he said, “you’re always creating something new.”

Ermes Effron Borgnino was born on Jan. 24, 1917, in Hamden, Conn., near New Haven. His father was a railroad brakeman. His mother was said to be the daughter of a count, Paolo Boselli, an adviser to King Victor Emmanuel of Italy.

The boy spent several years of his childhood in Italy, where his mother returned during a long separation from her husband. But they returned to Connecticut, and he graduated from high school there.

He joined the Navy at 18 and served for 10 years. During World War II he was a gunner’s mate. After the war he considered factory jobs, but his mother suggested that he try acting. Her reasoning, he reported, was, “You’ve always liked making a damned fool of yourself.”

He studied at the Randall School of Drama in Hartford, then moved to Virginia, where he became a member of the Barter Theater in Abingdon and worked his way up from painting scenery to playing the Gentleman Caller in “The Glass Menagerie.”

In the late 1940s he headed for New York, where by 1952 he was appearing on Broadway as a bodyguard in the comic fantasy “Mrs. McThing,” starring Helen Hayes. He had already made his movie debut playing a Chinese shopkeeper in the 1951 adventure “China Corsair.”

Mr. Borgnine never retired from acting. In the 1980s he starred in another television series, the adventure drama “Airwolf,” playing a helicopter pilot. He took a supporting role as a bubbly doorman in the 1990s sitcom “The Single Guy.” His last film appearance was in “The Man Who Shook the Hand of Vicente Fernandez,” not yet released, in which he plays an elderly man who becomes a celebrity to Latino employees at the nursing home where he lives. On television, he was in the series finale of “ER” in 2009 and appeared in a cable film, “Love’s Christmas Journey,” last year.

His other films included “The Vikings” (1958); “Ice Station Zebra” (1968); “Hoover”(2000), in which he played J. Edgar Hoover; and “Gattaca” (1997).

Mr. Borgnine, who lived in Beverly Hills, was married five times. In 1949 he married Rhoda Kemins, whom he had met when they were both in the Navy. They had a daughter but divorced in 1958. On New Year’s Eve 1959 he and the Mexican-born actress Katy Jurado were married; they divorced in 1962.

His third marriage was his most notorious because of its brevity. He and the Broadway musical star Ethel Merman married in late June 1964 but split up in early August. Mr. Borgnine later contended that Ms. Merman left because she was upset that on an international honeymoon trip he was recognized and she wasn’t.

In 1965 he married Donna Rancourt; they had two children before divorcing in 1972. In 1973 he married for the fifth and last time, to Tova Traesnaes, who under the name Tova Borgnine became a cosmetics entrepreneur.

She survives him, as do his children, Christofer, Nancee and Sharon Borgnine; a stepson, David Johnson; six grandchildren; and his sister, Evelyn Verlardi.

Asked about his acting methods in 1973, Mr. Borgnine told The New York Times: “No Stanislavsky. I don’t chart out the life histories of the people I play. If I did, I’d be in trouble. I work with my heart and my head, and naturally emotions follow.”

Sometimes he prayed, he said, or just reflected on character-appropriate thoughts. “If none of that works,” he added, “I think to myself of the money I’m making.”

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PASEO POR EL RIO SENA

http://www.odisea2008.com/2012/07/paseo-por-el-rio-sena.html

VIERNES, 6 DE JULIO DE 2012

PASEO POR EL RIO SENA

El río Sena es uno de los ríos principales y vía de agua comercial de las regiones de Isla de Francia y Alta Normandía en Francia. Nace a 470 metros sobre el nivel del mar en el departamento de Côte-d'Or y desemboca en forma de estuario en El Havre, en la bahía del Sena, después de haber pasado por ciudades como Troyes, París o Ruan. En la capital francesa, los recorridos en los típicos bateaux- mouche por el Sena, con vistas a las orillas izquierda y derecha de la ciudad, son una atracción turística.

Hay cerca de tres docenas de puentes sobre el río Sena en París y otros muchos cruzando el río fuera de la ciudad. Entre los ejemplos parisinos están el Pont Louis-Philippe y el Pont Neuf, este último se remonta al año 1607. Fuera de la ciudad están el Puente de Normandía, uno de los más largos puentes atirantados del mundo, que une Le Havre con Honfleur.

El Sena se draga, y buques transatlánticos pueden atracar en Ruan, a 120 kilómetros del mar. Las barcas comerciales pueden utilizar el río desde Bar-sur-Seine, a 560 kilómetros de su desembocadura. En París, el "río" queda a sólo 24 metros sobre el nivel del mar, a 445 kilómetros de su desembocadura, haciéndole fluir lento y así resulta fácilmente navegable. Tiene 776 kilómetros de largo y fluye desde el continente hacia el Océano Atlántico.

La sección del río sensible a las mareas, desde Le Havre hasta más allá de Ruan, es seguida por una sección canalizada con cuatro grandes esclusas múltiples hasta la desembocadura del río Oise en Conflans-Sainte-Honorine. Entonces otras dos esclusas múltiples en Bougival/Chatou y en Suresnes alzan los barcos al nivel del río en París, donde se ubica la desembocadura del río Marne. Corriente arriba de París más esclusas aseguran la navegación a Saint Mammès (donde desemboca el Loing). A través de una octava esclusa se alcanza el río Yonne en Montereau. De la desembocadura del Yonne, naves más grandes pueden continuar remontando el Sena hasta Nogent-sur-Seine. Desde allí en adelante, el río sólo es navegable para embarcaciones pequeñas. Toda forma de navegación acaba precipitadamente en Marcilly-sur-Seine, donde el antiguo Canal del Alto Sena solía permitir que las embarcaciones continuaran hasta Troyes. Este canal se ha abandonado durante muchos años.

Hasta que se instalaron las esclusas para elevar artificialmente el nivel del río en los años 1800, el río era mucho menos profundo, y consistía sólo de un pequeño canal de flujo continuo bordeado por riberas arenosas, representado en muchas ilustraciones de la época. Actualmente la profundidad se controla estrechamente, lo que permite que esté el cauce lleno de agua, de flujo lento normalmente, pero más rápido tras períodos de lluvia intensa. Hay unas presas especiales corriente arriba que ayudan a mantener un nivel constante del río a través de la ciudad, pero puede haber incrementos del nivel del río en períodos de extrema pluviosidad.

El Sena es conocido a nivel mundial ya que es el río que atraviesa París. Es en una de sus islas (isla de la Cité) donde la ciudad tuvo sus inicios y en torno a ella y sus riberas que se ha desarrollado a través de los siglos. Varios de los edificios y monumentos más importantes de la ciudad se pueden apreciar paseando por el río. Tal es el caso de la torre Eiffel, el Museo del Louvre, la Défense, la Catedral Notre Dame de París, o la Biblioteca François Mitterrand. Precisamente por ello, desde el año 1991 «París, riberas del Sena» es un Lugar incluido en el Patrimonio de la Humanidad.

Extracto del artículo de Wikipedia ENLACE.

Para realizar esta travesía utilizaremos dos obras la primera Wanderings by the Seine (1834), (andanzas por el Sena), escrita por Leitch Ritchie, con grabados de los dibujos y pinturas de Joseph Mallord William Turner ENLACE y la segunda Wanderings by the Seine from Rouen to the source 1835 (andanzas por el Sena desde Rouen a la fuente), de los mismos autoresENLACE.

Veamos algunas de las láminas que ilustran estas obras, para ampliar pulse sobre la imagen.

001- El Havre es una ciudad del noroeste de Francia, en el departamento de Sena Marítimo (Alta Normandía). Está situada en la orilla derecha del estuario del río Sena a orillas del Canal de La Mancha. Pese a las múltiples dificultades que ofrecía el terreno pantanoso y las tempestades, el puerto de El Havre acogió sus primeros navíos en octubre de 1517. Un torreón defendía la entrada. Las armas de la villa fueron las de Francisco I: una salamandra. El rey se desplazó a El Havre, en agosto de 1520, para confirmar la perpetuidad de los privilegios concedidos a los havreses. La función militar fue, asimismo, instituida: El Havre fue uno de los puntos de unión de la flota francesa durante las diferentes guerras. Los arsenales se desarrollaron y los navíos se iban a pescar el bacalao a Terranova. El Nuevo Mundo atraía a los aventureros y muchos partieron de El Havre.

002- Granville es un comuna francesa, situada en el oeste del departamento de Mancha, en la región de la Baja Normandía, en la costa de la bahía del Monte Saint-Michel.

La villa de Granville es la cabecera de este cantón y la tercera en importancia del departamento. Actualmente es uno de los centros económicos de la región, gracias a la actividad de su puerto pesquero, el primero de Francia en capturas de moluscos y antiguamente especializado en la captura de bacalao, su puerto comercial, con rutas hacia las islas Anglo-normandas y la de Chausey . Desde el siglo XIX, Granville se ha desarrollado como estación balnearia entorno al turismo atraído por sus cuatro playas de arena, una al Norte, entre la península y el río, y tres al Sur, orientadas hacia la bahía, celebradas por varios escritores como Victor Hugo o Stendhal.

003- Harfleur en la Alta-Normandia fue el principal puerto en el noroeste de Francia durante seis siglos, hasta que Le Havre fue construido a unos cinco kilómetros río abajo en el siglo XVI. Harfleur está ahora en el borde oriental de la zona urbana de Le Havre.

004- El Castillo de Tancarville se sitúa cerca de la población del mismo nombre en la Alta Normandía sobre un acantilado con vista al Sena, su construcción data del siglo XI. El castillo original fue fundado por un Señor llamado Tancredo y fue construido por Raoul de Tancarville chambelán de Guillermo el Conquistador, reconstruido con añadidos posteriormente, como La capilla Saint-Michel en 1267 y obras en la entrada. Un nuevo castillo fue construido con los restos del primero, de 1709 a 1717 por Louis de la Tour d'Auvergne, conde de Evreux, este castillo fue saqueado y dañado durante la Revolución, en 1793, el castillo y sus fortificaciones quedaron en un estado tal de deterioro que lo dejo intransitable; Por último fue restaurado a mitad del siglo XIX por el Conde de Lambertye.

005- Castillo de Tancarville desde el rio Sena.

006- Lillebonne es una ciudad francesa situada en el Departamento del Sena Marítimo en la Alta Normandía. Posee una larga historia que se remonta a la tribu gala de los Caletas, origen del nombre de la región del País de Caux del que durante un tiempo fue la capital. En el período galo-romano conoció una gran prosperidad debida a la presencia de un puerto en el Sena. Lillebonne aparece mencionada en la Geografía de Tolomeo (Libro II, 8, 1), después, en el siglo III fue conocida como Juliobona. Actualmente como toda la zona circundante es una ciudad eminentemente turística.

007- Castillo de Lillebonne. Se trata de un castillo medieval que se cuenta entre los lugares más importantes de Normandía durante la Edad Media, situado al este del antiguo teatro, en el parque público ubicado en los antiguos fosos, transformados en jardines por una gran familia de industriales textiles en el último cuarto del siglo XIX, nos encontramos con una de las torres principales mejor conservadas, y a continuación dentro de las murallas del antiguo castillo (dominado por la torre), vemos la edificación de ladrillos construida en la década de 1870 por el arquitecto Teodoro Granger, y también las impresionantes ruinas de una torre octogonal. Es difícil actualmente conocer las verdaderas medidas de este antiguo castillo, en 1832 después de la adquisición del castillo por Pierre- Abraham Levesque, industrial fabricante de piezas de algodón, las ruinas de los antiguos edificios residenciales del castillo fueron arrasadas, posteriormente a lo largo del siglo XIX los descendientes de la familia Levesque transforman el lugar para adaptarlo a su nueva función, el de una mansión de campo con un gran parque. Esto sin contar con los cambios más recientes después de la adquisición por el municipio y su transformación en parque público. Los interesados en la historia del castillo de Lillebonne que lean francés pueden descargarse en pdf un magnífico trabajo de Jean Mesqui al respecto LE CHÂTEAU DE LILLEBONNE .

008-Caudebec-en-Caux es una comuna francesa situada en el departamento del Sena-Maritimo en la región de la Alta-Normandía, llamada por sus habitantes “La perla del Valle del Sena”.

009- Jumiege en la Alta-Normandía es una ciudad dedicada a la silvicultura la agricultura y el turismo está situada en un meandro del río Sena, a 21 km al oeste de Rouen. Un servicio de transbordador conecta la ciudad con los lados sur y oeste del río. Al fondo de la imagen la Abadía de Jumièges, típicamente normanda de la época románica, ahora en ruinas la abadía data de 1067 cuando fue consagrada en presencia de Guillermo el conquistador.

010- El pulpito de Gargantua cerca de Duclair.

011-012- Rouen es una ciudad del noroeste de Francia, capital de la región de Alta Normandía y del departamento de Sena Marítimo. La "Ciudad de los Cien Campanarios", sobrenombre con el que es conocida, es atravesada por el Sena y tres de sus pequeños afluentes, el Aubette, el Robec y el Cailly. Sus habitantes reciben el nombre de ruaneses.

013- La Catedral de Nuestra Señora de Ruan es una construcción gótica cuyas primeras piedras se remontan a la Alta Edad Media. Tiene la particularidad, rara en Francia, de conservar su palacio arzobispal y las construcciones anexas que lo rodean datan de la misma época. En el siglo XIX, la catedral sirve de fuente de inspiración a numerosos artistas, particularmente Claude Monet. Fue en el Palacio Arzobispal de Ruan, de estilo gótico, contemporáneo de la catedral, donde tuvo lugar el segundo proceso a Juana de Arco. En esta catedral es donde está enterrado el corazón del Rey Ricardo I de Inglaterra.

014- Vista de Rouen con la catedral al fondo.

015- Este castillo estaba ubicado en la Mailleraye-sur-Seine, provincia del Sena Marítimo en la región de la Alta-Normandía, actualmente solo queda la Capilla Seigneurale que pertenecía al mismo, rodeada de un maravilloso jardín por el cual pasearon Luis XI, Francisco I, Enrique IV, así como numerosos hombres ilustres. Entre los personajes que fueron dueños de este elegante edificio figuran particularmente Charles de Moy, Gobernador del Havre, su hijo continuara la obra de restauración emprendida por su padre. Aunque parezca increíble el castillo en si fue desmantelado y vendido piedra a piedra por la denominada “Banda negra” para enriquecer a coleccionistas extranjeros, hoy en día no subsiste más que la capilla mencionada, que por otra parte no se puede visitar por ser propiedad privada de la familia Harcourt.

016- Entre Quilebeuf y Villequie.

017- Quillebeuf, es un antiguo puerto, situado en la orilla izquierda del Sena. La ciudad está conectada a Port-Jérôme, en Seine-Maritime a través de un ferry. En esta imagen se ve su famoso faro.

018-Honfleur es una ciudad portuaria dentro del departamento normando de Calvados. Se encuentra en la parte sur del estuario del río Sena, muy próxima al Puente de Normandía, que une la ciudad con El Havre. Es especialmente reconocida por su pintoresco y antiguo puerto, que fue pintado muchas veces por artistas como Gustave Courbet, Claude Monet y Johann Jongkind, quienes formaron la école de Honfleur, la cual contribuyó al surgimiento del movimiento impresionista. La iglesia de Santa Catalina posee una cúpula separada del edificio principal y es la iglesia más grande de Francia construida en madera. Honfleur fue el escenario de un célebre asedio durante la Guerra de los Cien Años. Luego de la Guerra de los Cien Años y hasta finales del siglo XVIII Honfleur experimentó un gran crecimiento del comercio marítimo, con algún disturbio en la época de las guerras de religión del siglo XVI. Incluso la ciudad formó parte de grandes descubrimientos, en particular en 1503 con la partida de Binot Paulmierde Gonneville a las costas de Brasil y con la partida de la expedición que dirigía Samuel de Champlain, en 1608 que finalizó con la fundación de Quebec.

El post se ha hecho demasiado largo para ver las imágenes de la segunda obra mencionada más arriba, continuaremos en una próxima entrada.

Saludos.